Quand les jeux vidéo s’animent : FPS, Beat them All, jeux de simulation, de réflexion...

Nous poursuivons notre exploration des liens multiples et parfois inattendus entre le jeu vidéo et le cinéma d’animation, après avoir parcouru les genres les plus narratifs, spectaculaires ou emblématiques du médium vidéoludique. Ici, il sera question de FPS, de TPS, de jeux de simulation et de jeux de réflexion.

Il y a des séries que l’on démarre par passion, et d’autres que l’on termine par fidélité. La série Quand les jeux vidéo s’animent de la chronique MediaMorphose appartient aux deux. Lorsque Artemisia, plume fondatrice de cette traversée entre cinéma d’animation et jeu vidéo, a hissé les voiles de l’Arcadia pour voguer vers de nouvelles aventures, elle laissait derrière elle trois chroniques riches, curieuses et profondément habitées. Trois escales où l’on explorait déjà les jeux de combat, le survival horror, le RPG, le MMORPG, la plateforme ou encore l’action-aventure, toujours à la lumière de leur dialogue avec l’animation. Il était impensable de laisser ce voyage inachevé.

Ce dernier numéro s’attaque aux territoires que nous n’avions pas encore arpentés : les FPS, où la caméra devient regard et immersion, les jeux de simulation, capables de transformer le quotidien, la gestion ou l’expérimentation en expériences animées, et les jeux de réflexion, où la mécanique pure dialogue avec l’abstraction visuelle et le langage graphique. Autant de genres qui, chacun à leur manière, entretiennent un rapport singulier à l’animation, que ce soit par le mouvement, la mise en scène, le design ou la narration.

FPS

Le jeu de tir à la première personne (FPS) est un genre dans lequel le joueur évolue en vue subjective et participe à des affrontements armés en incarnant directement le personnage à l’écran, l’immersion et la perception du monde passant par son regard.

Halo

Jeu de tir à la première personne dans un univers de science-fiction, centré sur des affrontements armés contre des forces extraterrestres, mêlant combats intenses, exploration et narration épique.

Enfile ton casque, car Halo Legends (2010) est là pour t’embarquer dans une expédition incroyable à travers le monde intergalactique de Halo ! Tout un programme…

D’ailleurs, cette anthologie de courts-métrages d’animation ne fait pas les choses à moitié : chaque segment comporte sa propre trame en complément du scénario du jeu, et propose des styles artistiques variés et des récits captivants. Chacun nous plonge tête en avant dans les intrigues complexes, où les héros emblématiques de la saga s’animent pour notre plus grande joie.

Salué pour son innovation et son respect envers le matériel original, Halo Legends est comme un bon vieux Sparth (tu sais, ce bon vieux fusil d’assaut) qui nous fait ressentir toute la puissance de l’univers Halo !

Bien que principalement un jeu de tir, la licence inclut des éléments horrifiques dans son univers (surtout avec les Floods).

Petit bonus, Halo : The Fall of Reach (2015) est une mini-série animé basé sur le roman Halo : The Fall of Reach d’Eric Nylund. Cette adaptation explore l’origine de Master Chief, l’entraînement brutal des Spartans, et la bataille pour protéger la Terre de la menace des Covenants. Parfait pour les fans qui veulent en savoir plus sur les origines de Master Chief et des Spartans.

Beat them All

Le beat them all est un jeu de combat à progression, reposant sur l’affrontement de vagues successives d’ennemis, où le joueur évolue à travers des niveaux en privilégiant les combats rapprochés, la maîtrise des enchaînements et le spectacle de l’action.

Heavenly Sword

Jeu d’action épique reposant sur des affrontements spectaculaires contre des vagues d’ennemis avec une mise en scène cinématographique.

Heavenly Sword c’est avant tout une tragédie guerrière portée par une héroïne aussi charismatique que condamnée. Nariko, jeune femme à la chevelure flamboyante, n’a que quelques jours à vivre depuis qu’elle a dégainé l’épée divine, une arme aussi puissante que maudite. Son objectif : mettre fin au règne du roi Bohan et à son armée, dans un monde où la vengeance se paie toujours au prix fort. Développé par Ninja Theory et sorti en 2007 sur PlayStation 3, le jeu mise autant sur ses combats que sur sa narration, fortement influencée par le cinéma et la motion capture.

Le succès est au rendez-vous (environ 1,5 million de copies vendues) et l’univers se prête naturellement à une prolongation animée. En 2014, Heavenly Sword, le film voit le jour, réalisé par Gun Ho Jang et développé par Ninja Theory. Diffusé directement en vidéo (et projeté au cinéma dans certains pays), le film poursuit l’histoire après les événements du jeu, en retrouvant Nariko et Loki face aux conséquences de leur combat contre Bohan.

Sans chercher à réinventer son matériau d’origine, Heavenly Sword : Le Film s’inscrit dans la continuité du jeu : même héroïne tragique, même univers mythologique, même goût pour les affrontements épiques. Il illustre surtout une chose : le beat them all, genre fondé sur le rythme, le mouvement et la chorégraphie, trouve dans l’animation un prolongement presque naturel. Ici, l’action ne se contente plus d’être jouée : elle est mise en scène.

Devil May Cry

Jeu axé sur l’enchaînement de combats stylisés, la variété des armes et la recherche de la performance par le style.

Difficile d’évoquer le beat them all sans mentionner Devil May Cry. Créée par Hideki Kamiya pour Capcom, la saga s’impose comme une référence du genre grâce à son action débridée, son esthétique outrancière et son célèbre système de style, récompensant les combats les plus spectaculaires. Dante, chasseur de démons charismatique, y incarne à lui seul cette surenchère visuelle permanente.

Si la franchise n’a jamais connu de long métrage d’animation, elle a néanmoins été adaptée en série animée japonaise en 2007, située entre les deux premiers jeux. Un cas intéressant, bien que périphérique ici, qui confirme que le beat them all, lorsqu’il privilégie le style et l’excès, entretient un lien naturel avec l’animation.

Jeux de simulation

Un genre qui cherche à reproduire (de façon réaliste ou stylisée) le fonctionnement d’une activité, d’un métier ou d’un quotidien (vie, gestion, construction, conduite, etc.), en laissant au joueur la liberté d’expérimenter des systèmes et des interactions plutôt que de suivre un objectif unique.

Animal Crossing

Jeu de simulation de vie dans lequel le joueur s’installe dans un village, ou sur une île, peuplé d’animaux anthropomorphes, et évolue librement au rythme du temps qui coule.

Avec Animal Crossing, Nintendo propose une expérience à contre-courant du jeu vidéo traditionnel : pas d’objectif imposé, pas de combat, pas d’urgence. Depuis le premier épisode sorti au début des années 2000 jusqu’à aujourd'hui, la série repose sur la curiosité, la routine et l’attachement progressif à un quotidien partagé avec des habitants aussi attachants qu’excentriques. L’utilisation de l’horloge interne de la console, qui fait évoluer le jeu en fonction des saisons, des jours et des heures réelles, renforce encore cette impression de monde vivant, presque intime. Un concept singulier, devenu un immense succès critique et commercial.

C’est pourtant ce jeu sans véritable intrigue que le cinéma d’animation va tenter de fixer dans un récit. En 2006 sort au Japon Gekijōban Dōbutsu no Mori, long métrage réalisé par Jouji Shimura. Le film suit Ai, une jeune fille venant de s’installer dans un village où elle découvre peu à peu la vie locale, ses habitants et leurs petites histoires. On y croise naturellement les figures emblématiques de la licence, Tom Nook, Kéké, Thibou ou encore Robusto, dans une succession de scènes du quotidien, fidèles à l’esprit apaisé du jeu.

Ce film d’animation n’a malheureusement jamais été commercialisé officiellement en France, restant cantonné au marché japonais. Un choix révélateur : Animal Crossing, malgré son immense popularité mondiale, demeure une œuvre profondément ancrée dans une culture du quotidien et de la lenteur, difficile à défendre à l'internationale.

Jeux de réflexion

Le jeu de réflexion (Jeux de puzzle ou puzzle-adventure) est un genre centré sur la résolution d’énigmes et de casse-têtes, sollicitant la logique, l’observation et le raisonnement du joueur, souvent au détriment de l’action ou de la performance.

Professeur Layton

Jeu d’aventure et de réflexion de type point and click, reposant sur l’enchaînement d’énigmes logiques intégrées à une narration scénarisée.

Avec Professeur Layton, Level-5 propose une approche singulière du jeu de réflexion, où les casse-têtes ne sont pas seulement des obstacles ludiques, mais un véritable moteur narratif. Le joueur incarne le professeur Hershel Layton, archéologue britannique à l’élégance toute victorienne, accompagné de son jeune assistant Luke Triton, et sillonne villes et contrées à la recherche de vérités dissimulées derrière des mystères toujours plus déroutants. Chaque épisode alterne phases d’exploration et résolution d’énigmes (conçues par Akira Tago) dont certaines sont nécessaires à la progression, tandis que d’autres enrichissent l’expérience.

Succès critique et commercial dès le premier épisode, Professeur Layton et l’Étrange Village en 2007, la série s’impose rapidement comme une référence du genre, totalisant plus de 18 millions d’exemplaires vendus dans le monde. Son univers graphique, inspiré de l’animation européenne, et son ton feutré ouvrent naturellement la voie à une adaptation animée. En 2009 sort au Japon Professeur Layton et la Diva éternelle, long métrage d’animation dont l’intrigue s’insère dans la chronologie de la saga.

Le film reprend les codes qui ont fait le succès du jeu : énigmes intégrées au récit, personnages emblématiques, musiques de Tomohito Nishiura et atmosphère élégante. Plus qu’une simple transposition, La Diva éternelle démontre que le jeu de réflexion, lorsqu’il repose sur une narration forte et un univers graphique affirmé, peut trouver dans le cinéma d’animation un prolongement naturel, et reste, à ce jour, l’un des très rares exemples du genre à avoir franchi ce cap.

Bac à sable

Les jeux dits bac à sable (sandbox) sont des jeux vidéo offrant une grande liberté d’action au joueur, sans objectifs imposés ou avec des buts secondaires, privilégiant l’expérimentation, la créativité et l’appropriation personnelle de l’univers de jeu.

Minecraft

Jeu d’aventure et de création, reposant sur l’exploration, la collecte de ressources et la construction libre dans un monde généré de manière procédurale.

S’il est un exemple de jeu vidéo dont l’adaptation cinématographique posait problème dès son annonce, c’est bien Minecraft. Le jeu de Markus Persson, développé par Mojang Studios, ne repose ni sur une narration structurée, ni sur des personnages définis, mais sur un principe fondamental : laisser le joueur inventer ses propres objectifs. Monde de voxels infini, règles simples, liberté totale… Minecraft est avant tout un espace d’expression, un terrain de jeu où le sens émerge de l’usage, et non du récit.

Avec plus de 300 millions d’exemplaires vendus, le phénomène est colossal, mais précisément pour des raisons difficilement transposables à l’écran. En tentant de fixer cet univers ouvert dans une histoire linéaire, Minecraft, le film prend le contrepied de ce qui fait l’essence même du jeu. Le film, mêlant prises de vues réelles et animation, choisit de suivre un schéma narratif classique (des personnages projetés dans un monde fantastique, une quête, un mentor) là où Minecraft ne proposait ni héros, ni intrigue imposée.

Le résultat illustre les limites de l’exercice : l’esthétique cubique, pourtant emblématique, peine à exister autrement que comme décor, et la créativité du jeu se trouve réduite à une succession de références et de mécanismes expliqués au spectateur. Là où Minecraft incitait à faire, le film se contente de montrer. Une transposition qui souligne, par contraste, combien le genre bac à sable résiste à l’adaptation cinématographique, et combien certains jeux gagnent à rester des expériences à vivre plutôt qu’à raconter. Inutile de préciser que le film est extrêmement mauvais, et sans doute révélateur d'une industrie du cinéma de plus en plus paresseuse. 

Jeux mobiles

Les jeux mobiles sont des jeux vidéo conçus principalement pour smartphones et tablettes, caractérisés par des mécaniques simples, des parties courtes et une accessibilité immédiate, souvent pensées pour une pratique occasionnelle.

Angry Birds

Jeu de type puzzle, reposant sur des mécaniques de lancer et de destruction, où le joueur utilise un lance-pierres pour éliminer des structures ennemies.

Créée par le studio finlandais Rovio, Angry Birds s’impose dès 2009 comme l’un des plus grands phénomènes du jeu mobile. Avec ses oiseaux colorés, ses cochons verts et ses règles d’une simplicité désarmante, la licence dépasse rapidement le cadre du jeu pour devenir une marque globale, déclinée en produits dérivés, séries animées et, logiquement, en long métrage d’animation.

En 2016 sort Angry Birds, le film, suivi en 2019 de Angry Birds : Copains comme cochons. Les films choisissent de bâtir une narration classique autour de personnages inexistants ou à peine esquissés dans le jeu, en donnant une personnalité, un passé et des conflits émotionnels à Red, Chuck ou Bomb. Ce passage du gameplay minimaliste à une intrigue structurée illustre parfaitement la stratégie adoptée : transformer des icônes visuelles en protagonistes de comédie familiale.

Si le premier film peine à justifier son existence autrement que par l’exploitation d’une licence populaire, la suite affine quelque peu la formule, proposant une mise en scène plus fluide et une dynamique de groupe mieux exploitée. Néanmoins, Angry Birds reste emblématique d’un phénomène propre au jeu mobile : pour devenir cinéma d’animation, le jeu doit presque entièrement s’effacer derrière ses personnages. Ici, l'idée pertinente du gameplay disparaît au profit d’un récit standardisé, révélant les limites, mais aussi l’efficacité commerciale, de ce type d’adaptation.

Les genres oubliés

Nous arrivons bientôt au terme de cette série de chroniques consacrée à la transposition des grandes licences du jeu vidéo en films d’animation. À l’issue de ce parcours, un constat s’impose : de nombreux genres vidéoludiques majeurs n’ont tout simplement jamais franchi le cap du film d’animation.

Les TPS (jeux de tir à la troisième personne) peinent encore à trouver leur place dans le cinéma d’animation. Lorsqu’une adaptation est envisagée, elle privilégie presque systématiquement les prises de vues réelles, jugées plus légitimes pour restituer des univers déjà fortement cinématographiques. Pourtant, ce chapitre n’est sans doute pas définitivement clos. Certaines licences contemporaines, à commencer par Fortnite, semblent au contraire appeler une adaptation animée. Son esthétique stylisée, sa galerie de personnages et son univers déjà pensé comme un espace de spectacle transmédiatique rendent même étonnante l’absence, à ce jour, d’un long métrage d’animation en images de synthèse.

Les jeux de sport, ancrés dans la reproduction du réel et la performance, n’offrent que peu de matière à un imaginaire animé autonome. Les jeux de simulation et les jeux bac à sable, fondés sur des systèmes ouverts et l’expérimentation personnelle, résistent eux aussi à la fixation narrative qu’impose le cinéma (si l'on excepte l'aberration Minecraft). Quant aux jeux de réflexion, ils reposent sur l’interaction intellectuelle du joueur, difficilement transposable en récit linéaire (même si Professeur Layton relève le défi avec brio).

Il existe bien sûr de nombreuses adaptations en prises de vues réelles, tous genres confondus, mais elles répondent à d’autres logiques et ne garantissent pas toujours une meilleure adéquation avec le médium cinématographique. L’animation, elle, semble privilégier des jeux déjà porteurs d’univers, de personnages et d’une narration forte, capables de survivre à la perte de l’interactivité. Ces absences ne relèvent donc pas d’un oubli, mais révèlent au contraire une vérité essentielle : tous les jeux vidéo ne sont pas faits pour devenir des films, et encore moins des films d’animation. En cela, MediaMorphose ne raconte pas seulement ce qui s’adapte, mais aussi, et peut-être surtout, ce qui résiste. Une frontière mouvante, mais révélatrice, entre deux médias qui dialoguent sans jamais se confondre complétement.

Game Over

Au fil de ces épisodes de MédiaMorphose consacrés aux passerelles entre jeu vidéo et cinéma d’animation, il est apparu que toutes les licences ne se prêtent pas à l’exercice, et que certaines résistances sont moins des échecs que des révélateurs : chaque médium possède ses forces, ses limites et ses langages propres.

Il existe toutefois des œuvres qui, sans être l’adaptation directe d’un jeu précis, incarnent à elles seules un véritable hommage à la culture vidéoludique. Les Mondes de Ralph, produit par Disney, s’impose comme un immense et sublime pot-pourri ludique, pensé comme une déclaration d’amour aux jeux vidéo, à leurs codes, à leurs univers et à leur imaginaire collectif. Plus qu’un simple film d’animation, il agit comme un musée vivant du pixel et du gameplay, où la référence devient langage.

Mais comment conclure ce dernier épisode sans évoquer Kingdom Hearts, véritable cas à part, et sans doute la quintessence de ce que notre sujet tente d’explorer ? Fruit d’un partenariat aussi improbable que fécond entre Square Enix et Walt Disney Pictures, la saga parvient à fusionner jeu de rôle dynamique et patrimoine du cinéma d’animation. Elle permet au joueur de parcourir une multitude de mondes issus des grands classiques Disney (d’Aladdin à L’Étrange Noël de Monsieur Jack, d’Alice au pays des merveilles à Toy Story) dans une narration foisonnante, parfois déroutante, mais toujours ambitieuse.

Kingdom Hearts ne cherche pas à adapter l’animation en jeu, ni le jeu en film. Il propose un troisième espace, hybride, où les univers animés deviennent terrains d’exploration, et où l’interactivité enrichit l’imaginaire plutôt que de le figer. À ce titre, il incarne peut-être la forme la plus aboutie du dialogue entre ces deux médiums.

En définitive, cette série n’aura pas seulement dressé un panorama des adaptations existantes ou manquées. Elle aura surtout mis en lumière une idée essentielle : le jeu vidéo et le cinéma d’animation ne se rencontrent jamais aussi bien que lorsqu’ils acceptent de ne pas se copier. C’est dans l’hybridation, le détournement et l’invention que naissent les œuvres les plus marquantes.

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