L'intelligence artificielle dans l'animation : le progrès au détriment des artistes ?
L'intelligence artificielle s'impose dans l'industrie de l'animation, jusque dans les productions les plus prestigieuses. Derrière les promesses d'innovation, cette évolution soulève une inquiétude majeure : à force d'automatiser la création, ne risque-t-on pas de sacrifier les artistes et les savoir-faire qui font toute la richesse de la discipline ?
Il y a quelques mois, dans notre chronique NetReport Pomme de pin, ou l’émergence d’un cinéma généré sans transparence, nous nous inquiétions de l'émergence d'un cinéma d'animation généré par intelligence artificielle, à travers des productions mineures mais dont les méthodes de fabrication soulevaient déjà de sérieuses questions de transparence. À l'époque, ces initiatives pouvaient encore apparaître comme des expérimentations isolées, évoluant en marge des pratiques traditionnelles de l'industrie. Mais cette frontière semble aujourd'hui s'effacer. L'intelligence artificielle ne cherche plus seulement à produire des œuvres à la place des artistes : elle s'immisce progressivement dans leurs outils, leurs méthodes de travail et jusque dans des productions qui revendiquent un savoir-faire artisanal.
Cette évolution nous préoccupe profondément. Car derrière les promesses de rapidité, d'efficacité et d'innovation technologique se dessine une question autrement plus fondamentale : quelle place restera-t-il aux artistes lorsque les studios auront appris à se passer d'une partie de leur travail ? Ce qui pouvait sembler hier une curiosité technologique prend désormais les contours d'une transformation industrielle, dont les conséquences pourraient durablement bouleverser les métiers de l'animation, mais aussi la nature même des œuvres que nous regardons.
Quelle désillusion de découvrir le court métrage Couleurs de la nuit, cette publicité réalisée par Sylvain Chomet pour la maison Dior ! Comment ne pas être profondément déçu lorsqu'un artiste, dont nous admirons depuis toujours l'extraordinaire maîtrise de l'animation traditionnelle, livre une œuvre dont l'esthétique évoque aussi ostensiblement les productions générées par intelligence artificielle ? Les mouvements artificiels, les déformations et cette étrange fluidité qui semble échapper au contrôle du dessin donnent au résultat une apparence bien éloignée de ce qui faisait la singularité de son cinéma.
Car il ne s'agit pas de n'importe quel réalisateur. Avec Les Triplettes de Belleville et L'Illusionniste, Sylvain Chomet s'est imposé comme l'un des grands défenseurs d'une animation profondément artisanale, où chaque mouvement, chaque expression et chaque imperfection participent à donner vie aux personnages. C'est précisément ce qui rend cette publicité si déconcertante.
Alors, oui, c'est un film dessiné à la main et le cinéaste conteste l'utilisation d'intelligence artificielle générative. Il reconnaît seulement le recours à une interpolation automatisée. Derrière ce terme technique se cache pourtant une pratique aux conséquences considérables. Dans l'animation traditionnelle, les animateurs dessinent les poses clés qui définissent les mouvements des personnages. Entre ces dessins interviennent les intervallistes, chargés de réaliser les images intermédiaires nécessaires à la fluidité de l'animation. L'interpolation automatisée consiste précisément à confier à un logiciel la génération de ces images intermédiaires, à partir de dessins existants.
Or, derrière cette opération présentée comme une simple assistance technique (et sans aucun doute confiée à l'IA), c'est tout un pan du métier d'animateur qui risque d'être sacrifié. Les intervallistes ne sont pas de simples exécutants chargés de combler les espaces entre deux dessins. Ils participent pleinement à la qualité du mouvement et occupent historiquement une place essentielle dans la chaîne de fabrication de l'animation traditionnelle. C'est aussi une porte d'entrée dans la profession, permettant à de jeunes artistes d'acquérir les compétences nécessaires pour devenir, à leur tour, animateurs.
La distinction entre intelligence artificielle générative et interpolation automatisée ne suffit donc pas à dissiper notre malaise. Qu'une machine génère des images entières ou intervienne dans la fabrication des mouvements, la question demeure : pourquoi déléguer à un procédé automatisé une partie de ce qui constitue justement le cœur du métier d'animateur, surtout lorsque cette intervention est aussi flagrante à l'écran ?
Le choix du commanditaire rend cette situation encore plus paradoxale. Dior n'est pas une entreprise contrainte de produire à moindre coût. C'est une maison de luxe qui fonde une grande partie de son prestige sur l'excellence de ses artisans, la minutie de leurs gestes et la transmission de savoir-faire parfois séculaires. À l'heure où les grandes maisons célèbrent les petites mains qui façonnent leurs créations, quelle ironie de voir Dior associer son nom à une production qui automatise une partie du travail de celles et ceux qui donnent vie aux dessins ! Le savoir-faire humain serait-il un argument de prestige dans les ateliers de couture, mais une dépense facultative dans les objets de leurs promotions ?
Nous ignorons dans quelle mesure Dior a été informé des procédés techniques employés et si la maison a participé à ces choix. Mais cela ne change rien à notre perception du résultat. En apposant son nom sur cette publicité, la marque associe son image à une démarche qui nous semble en contradiction avec les valeurs artisanales qu'elle revendique. Et cette contradiction est d'autant plus regrettable qu'un tel commanditaire possède précisément les moyens de soutenir une animation ambitieuse, exigeante et pleinement réalisée par des artistes.
Au-delà de la déception que suscite cette œuvre, c'est le symbole qui inquiète. Si même un réalisateur aussi emblématique que Sylvain Chomet accepte d'intégrer l'automatisation au processus de création, que restera-t-il demain des métiers qui ont fait la richesse de l'animation traditionnelle ?
En 2023, Critterz, court métrage "réalisé" par Chad Nelson à partir d'images générées par intelligence artificielle, apparaissait encore comme une expérimentation isolée. Trois ans plus tard, des productions autrement moins ambitieuses, comme Pomme de Pin et Mateo, signées par les mêmes créateurs, témoignent d'une inquiétante banalisation de ces pratiques. Distribués à quelques mois d'intervalle en 2026, ces deux longs métrages affichent une esthétique artificielle particulièrement grossière, qui interroge autant sur leurs méthodes de fabrication que sur leur rythme de production. Plus consternant encore, ces œuvres trouvent leur place sur Prime Video, une plateforme majeure qui contribue ainsi à leur donner une visibilité commerciale.
Mais le plus préoccupant n'est finalement pas l'existence de ces productions de seconde zone. C'est la rapidité avec laquelle des procédés autrefois cantonnés à des expérimentations marginales gagnent désormais des projets autrement plus prestigieux. En quelques années seulement, l'intelligence artificielle est passée du statut de curiosité technologique à celui d'outil revendiqué par des acteurs établis de l'industrie audiovisuelle.
En 2023, Netflix Japan expérimentait également l'intelligence artificielle avec The Dog & The Boy, un court métrage réalisé par Ryōtarō Makihara en collaboration avec WIT Studio. Cette production marginale, qui n'a pas bénéficié d'une commercialisation en France mais reste accessible gratuitement sur YouTube, intégrait des décors générés par IA à partir d'esquisses humaines, avant d'être retouchés par des artistes. Contrairement aux productions précédemment évoquées, le résultat se révèle particulièrement convaincant, au point qu'il est difficile de déceler l'intervention de l'intelligence artificielle à l'écran. Présentée comme une réponse au manque de main-d'œuvre dans l'animation japonaise, cette expérimentation n'en soulève pas moins une question préoccupante : plutôt que de former de nouveaux talents, l'industrie ne risquait-elle pas de privilégier l'automatisation de leur travail ?
En 2023, Marvel franchissait à son tour un cap avec Secret Invasion, une série en prises de vues réelles consacrée à Nick Fury, dont le générique d'ouverture animé a été réalisé à l'aide de l'intelligence artificielle générative. Un choix particulièrement regrettable de la part de Disney, qui dispose pourtant de studios d'animation et d'un vivier considérable de talents capables de concevoir une telle séquence. Plutôt que de s'appuyer sur ce savoir-faire, le groupe a préféré recourir à une technologie dont le résultat, visuellement peu convaincant, peine à justifier l'emploi. Quel paradoxe de voir l'un des plus grands noms de l'animation mondiale délaisser ainsi les compétences artistiques qui ont fait sa renommée !
Mais c'est peut-être avec Mylène Farmer – Égrégore – L’avant-première, sorti au cinéma le 27 octobre 2026, que cette dérive atteint son expression la plus consternante. Réalisé par François Hanss, collaborateur historique de la chanteuse, ce projet audiovisuel accompagne son nouvel album à travers une succession de séquences mêlant prises de vues réelles et images générées par intelligence artificielle (à ce stade nous ne parlerons même plus d'animation). Une démarche d'autant plus déroutante que l'œuvre aborde précisément la perte d'humanité et la dégradation du langage à l'ère des nouvelles technologies. Autrement dit, Mylène Farmer semble dénoncer dans ses chansons ce qu'elle cautionne dans ses images. Une contradiction qui aurait pu constituer une véritable proposition artistique si elle avait été interrogée ou détournée avec intelligence. Mais ici, le procédé paraît davantage subi que maîtrisé.
Le résultat est malheureusement à la hauteur de cette contradiction. Une grande partie du film repose sur des séquences génératives dont la pauvreté esthétique laisse perplexe. Les personnages se déforment, les visages perdent leur cohérence, les décors se métamorphosent sans logique apparente et les images s'enchaînent dans une débauche d'effets artificiels qui finissent par vider l'ensemble de sa substance. Plus inquiétant encore, ces séquences donnent souvent l'impression d'avoir été produites à partir de simples instructions textuelles, sans véritable travail de composition ou de recherche graphique préalable. Nous ne prétendons pas connaître précisément les méthodes employées, mais le résultat à l'écran ne témoigne guère d'une direction artistique capable de donner du sens à cette profusion d'images. L'intelligence artificielle ne semble plus ici accompagner la création : elle paraît en dicter les formes et les limites.
Cette déception est d'autant plus profonde que Mylène Farmer a parfois entretenu une relation respectueuse avec le cinéma d'animation. En 2002, elle confiait la réalisation du clip C'est une belle journée à Benoît Di Sabatino, à partir de ses propres dessins. Quelques années plus tard, Peut-être toi prenait la forme d'un véritable court métrage d'animation japonaise, réalisé par Naoko Kusumi avec le prestigieux studio Production I.G. Deux exemples qui témoignent de l'intérêt de la chanteuse pour des univers graphiques singuliers, mais aussi de sa capacité à faire confiance à des artistes et à leurs savoir-faire. Ces collaborations ne se contentaient pas d'illustrer des chansons : elles leur offraient une identité visuelle, une sensibilité et une véritable existence artistique.
Comment comprendre, dès lors, qu'une artiste aussi attentive à son image et à la richesse de ses collaborations puisse aujourd'hui se satisfaire d'un résultat aussi impersonnel ? Le problème ne réside pas seulement dans l'utilisation de l'intelligence artificielle, mais dans ce qu'elle semble avoir remplacé. Là où des animateurs, des illustrateurs et des réalisateurs apportaient autrefois leur regard et leur interprétation, le film Égrégore privilégie une esthétique générative dont les imperfections ne traduisent aucune intention artistique identifiable. Il ne suffit pas d'accumuler des images spectaculaires pour construire un univers, encore moins lorsque celui-ci prétend questionner notre rapport à l'humanité.
Le plus regrettable reste finalement le message envoyé aux créateurs. Mylène Farmer et François Hanss ont démontré par le passé qu'ils savaient s'entourer de talents capables de donner une dimension cinématographique à leurs ambitions. Pourquoi ne pas avoir renouvelé cette confiance ? Pourquoi choisir une technologie qui tend à reproduire des formes existantes plutôt que de solliciter les artistes capables d'en inventer de nouvelles ? À nos yeux, Égrégore incarne précisément ce que l'intelligence artificielle peut produire de plus préoccupant lorsqu'elle devient un substitut à la recherche artistique plutôt qu'un outil à son service. Et venant d'une artiste dont nous admirons profondément l'univers, cette désillusion n'en est que plus amère.
L'intelligence artificielle n'est pas une mauvaise évolution en soi, bien au contraire. Ses applications sont innombrables et ses perspectives fascinantes. Mais son utilisation dans les domaines de la création artistique soulève des questions concrètes et parfaitement légitimes, auxquelles il serait irresponsable de ne pas réfléchir. À la vitesse où se multiplient les publicités, les illustrations, les films et même les romans partiellement ou entièrement générés par IA, nous pourrions sans difficulté consacrer une nouvelle chronique à ce sujet dans six mois, tant les exemples risquent de nous ensevelir. Lorsqu'on aime l'animation, qu'elle soit traditionnelle ou numérique, pour ce qu'elle représente de savoir-faire, d'inventivité et de sensibilité humaine, difficile de ne pas être consterné par la facilité avec laquelle certains créateurs embrassent ces procédés. Le grand public finira peut-être par s'accommoder de cette esthétique artificielle, mais les professionnels et les passionnés avertis de l'animation en reconnaissent déjà les travers. La publicité de Dior en constitue une illustration frappante : dès les premières transitions, les procédés automatisés nous ont sauté aux yeux. Comment Sylvain Chomet, dont nous connaissons l'exigence artistique, peut-il se satisfaire d'un tel résultat ?
Mais au-delà de nos considérations esthétiques, les conséquences humaines sont autrement plus préoccupantes. Derrière chaque tâche automatisée se trouve un métier énormément fragilisé, une compétence absolument dévalorisée, un artiste dont les perspectives professionnelles s'amenuisent. Nous en avons des témoignages jusque dans notre propre rédaction, où certains collaborateurs exercent également des métiers de la création, notamment dans le storyboard, et rencontrent aujourd'hui de grandes difficultés à trouver du travail. Bien sûr, l'intelligence artificielle n'explique pas à elle seule les difficultés économiques du secteur, mais son développement ajoute une pression supplémentaire sur des professions déjà précaires. Et ce sont souvent les postes les plus accessibles aux jeunes talents qui risquent d'en faire les frais. Comment former les animateurs, les illustrateurs et les réalisateurs de demain si les tâches qui leur permettaient hier d'apprendre leur métier sont progressivement confiées à des machines ? À force de vouloir accélérer la production, l'industrie pourrait bien finir par sacrifier ceux qui lui donnent sa raison d'être.
Il serait toutefois hypocrite de dénoncer ces pratiques sans interroger notre propre rapport à l'intelligence artificielle. Car nous aussi, chez CinéAnimation, nous utilisons ces outils. Cette chronique elle-même a été élaborée avec leur assistance, pour corriger notre syntaxe et notre rédaction. Nous ne nous en cachons pas. L'IA peut rendre de précieux services dans les métiers intellectuels, administratifs ou organisationnels, en automatisant certaines tâches répétitives et en facilitant le travail quotidien. Pour une équipe éditoriale comme la nôtre, elle peut notamment compléter, voire remplacer, certains logiciels de correction orthographique ou grammaticale. Mais où placer la limite ? Si nous nous contentions de soumettre quelques instructions à une intelligence artificielle pour lui demander de rédiger intégralement nos articles, pourrions-nous encore nous prétendre rédacteurs ? Et de la même manière, une équipe d'animation qui déléguerait l'essentiel de ses choix créatifs et de ses tâches de production à une machine pourrait-elle encore revendiquer pleinement la dimension artistique de son travail ? La question mérite d'être posée, y compris à nous-mêmes. Car l'assistance n'est pas la substitution, et la transparence ne dispense jamais de réfléchir à la place que nous laissons à notre propre créativité.
Enfin, il est une tendance que je souhaite dénoncer avec la plus grande franchise : l'apparition du terme « AI Artist », ou « artiste IA », qui prolifère désormais sur les réseaux sociaux et dans de nombreuses disciplines créatives. Rarement une appellation m'aura semblé aussi contradictoire. À mes yeux, les « artistes IA » n'existent pas en tant que catégorie artistique autonome. Il y a des artistes, et il y a des outils d'intelligence artificielle. L'utilisation d'un logiciel ne suffit pas à définir une profession, encore moins à revendiquer un savoir-faire. Qualifier d'artiste une personne au seul motif qu'elle sait formuler des instructions destinées à générer des images revient à confondre la commande et la création, l'intention et son exécution. Écrire un prompt n'est pas dessiner, animer, composer ou mettre en scène. Cela peut participer à une démarche créative, mais ne saurait, à lui seul, se substituer à l'apprentissage et à la maîtrise d'une discipline artistique. Le danger commence précisément lorsque cette distinction disparaît, lorsque la facilité d'obtenir un résultat est confondue avec la capacité de le créer.
Les artistes qui embrassent aujourd'hui ces pratiques sans en mesurer les conséquences deviendront peut-être demain les contre-exemples d'une époque où l'industrie aura confondu progrès technologique et progrès artistique. Il existe dans l'animation des savoir-faire magnifiques, patiemment transmis et perfectionnés depuis des générations, qu'aucune recherche de productivité ne devrait conduire à dévaloriser.
Il est des progrès techniques qui ont fait les beaux jours du cinéma d'animation et que nous avons accueillis avec admiration (le son synchronisé, la technicolor, l'animation assistée par ordinateur...). D'autres, comme l'essor de l'intelligence artificielle, s'accompagnent de contreparties qu'il serait dangereux de sous-estimer. À l'image de l'émergence des techniques numériques, puis du grand virage de la 3D, l'animation générative sera peut-être le tsunami technologique de notre époque, bouleversant durablement les méthodes de production et donnant naissance à des films qui ne seront probablement plus jamais tout à fait les mêmes. Certaines œuvres sauront exploiter les possibilités offertes par l'IA avec parcimonie, intelligence et subtilité, au service d'une véritable ambition artistique. D'autres y recourront sans vergogne, privilégiant la facilité et la rentabilité au détriment de la création, au risque d'imposer de nouveaux standards de médiocrité aux productions de seconde zone. Reste à savoir quelle place nous choisirons d'accorder aux artistes dans cette transformation, car le véritable danger n'est peut-être pas que l'intelligence artificielle apprenne à faire des films, mais que l'industrie du cinéma désapprenne à en faire avec des humains.
