Stopmotion dispose d'une bonne gestion de l'horreur et du malaise. En nous prouvant une nouvelle fois sa minutie dans la liaison entre body horror et psychologie des personnages en détresse, Robert Morgan, sans forcément chercher le sursaut ou la peur viscérale, nous fait ressentir quelque chose de fort intérieurement. Un sentiment qui réussit à ne pas être faussé par les faiblesses scénaristiques ou visuelles du long-métrage. Comme premier facteur, nous avons une horreur qui passe autant par la matière que par la forme qui la met en scène. Les poupées que manie l'héroïne semblent constamment vivantes et cela passe en partie par leur caractère organique comme la viande, ou la cire qui y ressemble. Ce choix esthétique crée alors le lien entre l'animatrice et ses marionnettes comme une sorte de mise en abîme où l'histoire qui se fabrique sous nos yeux en stop motion coïnciderait avec celle de l'héroïne qui perd peu à peu ses moyens. Dans les deux cas, on assiste à un spectacle de marionnettes en détresse. Ce qui dérange le plus n’est pas forcément l’horreur visible mais plutôt ce moment étrange où l’on ne sait plus si ce qu’on voit est humain ou une poupée (ce ce glissement entre le vivant et l’inerte).

L'atmosphère globale du film est renforcée par une mise en scène sonore puissante. Celle-ci transforme les sons ordinaires comme la sonnette, le son quand on boit dans une paille, les sifflements ou la respiration hostile. Robert Morgan ose alors ancrer l'horreur dans la banalité. Une manière ingénieuse de nous glisser dans la peau du personnage qui perd ses moyens et ses repères au profit d'un film d'animation. Et ce schéma fonctionne également comme métaphore avec le passage progressif du créateur à sa création, donc du processus artistique et de la perte de soi dans l'acharnement pour concevoir quelque chose de parfait. Une perfection qui peut être liée à ce besoin, pour l'héroïne, de prouver à sa mère, victime d'AVC, qu'elle est capable de faire mieux qu'elle dans son domaine.